Titanic 3D – James Cameron (1997-2012)

Southampton, avril 1912. La White Star Line inaugure son dernier bijou : le Titanic, le « paquebot de rêve. » Insubmersible… jusqu’à un point. Les classes s’entrechoquent, Jack, l’artiste vagabond et Rose, héritière de la famille DeWitt Bukater, tombent amoureux et, contre toute attente, le paquebot rêvé coule. C’est une des histoires de cinéma les plus connues au monde depuis la sortie en France en janvier 1998  de Titanic, le film qui a propulsé ses acteurs et son réalisateur au plus haut de l’iceberg hollywoodien.

Avant Titanic 3D, il y a eu l’énorme succès en 3D d’Avatar, du même réalisateur, James Cameron, qui avait d’ailleurs battu le record au box-office de Titanic. Cette fois-ci, il s’agissait de convertir des images 2D préexistantes en 3D. Une production qui a couté 18 millions de dollars pour soixante semaines de travail et réuni plus de 300 spécialistes numériques.

Cameron est un perfectionniste et un as de la technique. S’il n’y a qu’une chose que l’on doit retenir de son œuvre, outre son « Je suis le roi du monde ! », c’est son enthousiasme pour les nouvelles technologies, tout autant que sa dextérité en la matière. Il avait créé, avec son frère Michael, une caméra spéciale pour filmer l’épave du Titanic et, quelques années plus tard, révolutionné la 3D au cinéma avec Avatar. Ici, il réussit à magnifier son plus grand film en invitant les spectateurs à bord du navire. Le résultat est tellement époustouflant par moments qu’on en vient presque à avoir le mal de mer… Le réalisme nous prend au corps et on se demande même si l’expérience ne se rapproche pas un peu trop du voyeurisme.

L’atout principal en faveur de cette conversion est sans aucun doute l’eau. C’est elle qui donne la profondeur suffisante, qui donne toute sa dimension à ce projet. L’exploration de l’épave, au début du film, est alors impressionnante. Le deuxième élément est évidemment le Titanic lui-même, avec ses multiples couloirs, ponts et étages. Et quand les deux s’entrechoquent, au cœur de la nuit du 14 avril, l’effet est renversant. Dès que la réalisation est au plus près de l’océan, que la caméra est au bord de l’eau, le spectateur s’attend presque à ressentir le froid qui devrait s’en dégager. Tous ses sens sont en alerte.

La 3D sublime les sensations, le naufrage, la performance des acteurs, les costumes, les décors… mais elle révèle également les effets spéciaux un peu vieillissants aperçus, particulièrement, dans les plans larges du bateau à quai ou en route pour New York. Et comme pour tout film en relief, l’œil a du mal à s’adapter aux séquences très mouvementées, notamment les courses-poursuites.

Mais l’expérience ne laisse pas indifférent. Les médias, et la société en général, rabâchent depuis près de quinze ans les travers du film, notamment la fin et les dialogues ringards, et la chanson sirupeuse chantée par Céline Dion, mais le film fonctionne encore. Les gens rient, sortent leurs mouchoirs, applaudissent à la fin, réagissent comme à l’époque. C’est à ça qu’on mesure l’impact d’une œuvre, c’est ça qui différencie un film populaire d’un très grand film populaire. La passion qui a nourri Cameron et qui, c’est certain, est à l’origine de ce succès, reste intacte. Le film n’est pas abimé.

Leurs personnages restent, paradoxalement, intemporels mais Kate Winslet et Leonardo Di Caprio ont évolué et c’est un plaisir de les revoir à leurs débuts (ou presque). Particulièrement ce dernier, qui, c’est tout à son honneur, n’a jamais voulu se remettre dans les godillots d’un héros éternellement innocent et romantique.

Finalement, le mot d’ordre de cette nouvelle apparition de Titanic au cinéma est bien « retenue ». Un joli tour de force pour un film qui avait coûté plus de 200 millions de dollars, un record à l’époque et à qui on prédisait un véritable naufrage…

Le « ghost shot » :

Jack et Rose, poursuivis par Caledon Hockley, arme au poing, sont forcés de se jeter dans les entrailles du bateau en perdition. Ils viennent de descendre le très bel escalier de première classe. Dans ce plan large, le spectateur a tout le loisir de saisir le chaos régnant à l’intérieur du navire. L’eau est partout, souveraine et destructrice. Elle est en train d’engloutir tout un monde, qui, il n’y a que quelques heures, régnait magistralement, et avec arrogance, sur les éléments. La version 3D amplifie extraordinairement ce bouleversement et permet au spectateur de ne plus seulement le voir, mais de le ressentir et de le craindre.

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Bilan Deauville Asia 2012

Une semaine après sa clôture, retour sur cette 14ème édition du Festival du Film Asiatique de Deauville : une quinzaine de films parmi lesquels quelques grosses satisfactions. Petit compte-rendu des films visionnés écrit à quatre mains.

1) Compétition Officielle

Baby Factory – Eduardo Roy Jr

Arrivé à la bourre dans un CID surchauffé, les dix premières minutes de ce film philippin en mode documentaire au sein d’une maternité bondée m’ont vite refroidi et laissé un vague sentiment de traquenard. Heureusement peu à peu, le film commence à s’intéresser à des personnages, des destins, et nous donne enfin quelque chose à quoi s’accrocher. Ca n’est pas non plus captivant, on est parfois plus proche du soap que du film, même si quelques moments s’avèrent assez touchants et qu’on peut apprécier que le film ne tombe pas totalement dans le misérabilisme malgré un contenu qui s’y prêtait. Au niveau de la forme, c’est assez laid, au mieux maladroit comme cet improbable 360° autour du personnage principal. On évite les plans fixes, c’est déjà ça. Au final, j’en retiens la sensation amusante qui se dégage de cet enchevêtrement sonore continuel de pleurs de bébés et d’une petite musique de Noël en 8 bits, qui finissent par se mélanger sans qu’on n’y fasse plus attention. — Pierre Ricadat

Saya Zamurai – Hitoshi Matsumoto

Hitoshi Matsumoto m’avait irrité il y a deux ans avec son Symbol, partant d’une idée géniale mais qui ne tenait pas la longueur. Le début de ce Saya Zamurai m’a fait craindre le même résultat : un samouraï condamné à mort se voit donner l’opportunité de survivre à condition qu’il arrive à faire sourire le tristounet rejeton du seigneur local, à raison d’une tentative par jour pendant 30 jours. On l’aura compris, l’occasion de se laisser aller à un défouloir d’idées loufoques et absurdes. A ce titre, mission accomplie, la plupart des gags étant hilarants (ma préférence va au kaléidoscope humain). Mais le film va plus loin et dépasse l’anecdotique par la relation qu’il construit entre le condamné à mort, sa petite fille (plus mignon tu meurs) et ses deux geôliers. Une relation qui permet d’éviter assez subtilement la répétition des gags et qui finit même par nous toucher profondément alors qu’on ne s’y attendait pas, lors d’un final que j’ai trouvé absolument sublime. Un vrai rayon de soleil. — Pierre Ricadat

Beautiful Miss Jin – Jang Hee-chul

Dans la lignée du Journals of Musan de l’an dernier, Deauville nous ressert un film coréen à message « social ». Cette fois-ci, point de réfugié nord-coréen mais trois sans-abris dont une fillette abandonnée. Point plutôt appréciable, les trois compères (notamment la fameuse Miss Jin) sont assez amusants et ne semblent pas transpirer le mal-être à chaque plan (contrairement à ceux de Pink, voir plus loin). Au contraire, ce sont plutôt les personnages extérieurs qui semblent s’apitoyer (ou pas) sur leur sort et constituent ainsi les ressorts narratifs de ce drame. Un road-movie aurait peut-être été un choix plus facile, puisqu’ici le film tourne un peu en rond sans s’avérer désagréable. — Pierre Ricadat

Mourning – Morteza Farshbaf

Le voici, mon grand supplice de cette édition 2012 ! Ce film qui pourtant est le plus court de la compétition, mais qui finalement semble le plus long. Mourning commence par une longue scène d’engueulade dans le noir. Ensuite, il nous inflige une impressionnante et interminable série de plans d’une voiture à travers la cambrousse iranienne, avec pour unique et vague stimulation des sous-titres défilants à l’écran. On peine à comprendre leur intérêt (j’ai d’abord pensé à un problème de synchronisation), puis on essaye de s’y intéresser parce que vraiment il ne se passe rien à l’écran, sans effet. Avant de finalement comprendre le hic : les deux personnages principaux sont muets. Et donc que Mourning, c’est une certaine idée de la cruauté : le mélange d’un long voyage en autoroute et d’un silence qui met mal à l’aise. Pour être simple et concis : c’est laid et inintéressant. Alors bien sûr, le réalisateur a de bonnes intentions, il fait son film dans des conditions difficiles, etc. Mais ça ne rend pas son film défendable pour autant. — Pierre Ricadat

I carried you home – Tongpong Chantarangkul

Deux sœurs qui ne se parlent plus sont réunies par la mort de leur mère. Le voyage pour ramener le corps dans leur maison natale sera l’occasion de renouer le dialogue et le contact. En à peine plus de deux lignes je vous ai résumé l’intégralité du contenu dramatique du film. On assiste alors près de deux heures durant à un road movie essentiellement silencieux, doublé de  nombreux flashbacks précédents le drame. C’est long, vide, ennuyant. La mise en scène est elle, par contre, assez originale et un soin particulier est apporté aux cadres, parfois presque trop composés, ce qui rend l’image artificielle.  Les intentions auteuristes du réalisateur se dégagent plus que le propos narratif du film et l’on se retrouve donc à subir les affres d’un récit sans rebondissements qui nous réservera tout de même un ou deux moments burlesques intéressants. Malheureusement, tout cela est aggravé par une fin qui n’en finit justement pas et qui s’étire en longueur sans rien avoir à raconter de plus. Épuisant comme un long voyage sans but. — Alban Ravassard

Himizu – Sono Sion

Autant dire que j’attendais avec impatience le nouveau film de Sion Sono. Cette fois il se détache de ses obsessions habituelles pour se reconnecter à la réalité en plaçant son histoire dans un Japon post-Fukushima. Le film s’ouvre d’ailleurs sur sur un long travelling latéral qui traverse les décombres laissées par la catastrophe, à ciel ouvert. Mais le film est aussi à cœur ouvert. Plus mature, moins gore, moins violente mais forcément excessive, l’histoire développée par Sion Sono est inégale mais néanmoins captivante. On notera par ailleurs la présence d’une forte note d’espoir à la fin du film. Cela n’empêche pas le réalisateur japonais d’explorer une nouvelle facette de son thème de prédilection, à savoir l’éclatement de la cellule familiale.  En filigrane c’est aussi un portrait sans concession de la société japonaise contemporaine qui est dressé sous nos yeux. Une charge violente, doublée d’une histoire d’amour un peu foutraque mais terriblement émouvante. — Alban Ravassard

2) Action Asia

Warriors of the Rainbow : Seediq Bale – Wei Te-sheng

Un film qui aurait pu être pas mal sur le papier. Malheureusement, il souffre d’un scénario beaucoup trop caricatural (les méchants japonais, tout ça…), qui en plus se retrouve charcuté par cette version internationale amputée de deux bonnes heures par rapport à la version originale (et pourtant c’est déjà long, très long). Quant aux scènes d’action, elles sont atrocement mal réalisées avec abus de ralenti et d’accéléré (pour masquer la misère ?) et ses incrustations 3D absolument ridicules. Le film surprend tout de même par ses brefs instants de cruauté (les Seediq se suicident au moins autant qu’ils ne sont tués par les Japonais, on a même droit à un jet de bébé dans le vide par sa propre mère) parfois improbables comme ce gamin charismatique cavalant la machine gun au vent. La curiosité pousserait à vérifier ce que donne la version originale de plus de 4 heures. La raison m’en dissuade. — Pierre Ricadat

The Sorcerer and the White Snake – Tony Ching siu‐tung

Plutôt agréable surprise que ce film qui emprunte autant au film d’action qu’au mélo à l’eau de rose (ces scènes de baisers sous l’eau !). L’univers fantastique du film, son ton léger et ses effets spéciaux apparents (et pas très beaux) sont totalement assumés, ce qui évite une sensation de décalage désagréable. On a donc droit à une souris qui parle, un moine chauve-souris et deux jolies femmes serpent. Rien de bien notable ni impressionnant mais ça se regarde avec un léger sourire. — Pierre Ricadat

The Sword Identity – Xu Haofeng

Film extrêmement surprenant et déroutant que ce Sword Identity. D’abord puisqu’il s’agit d’un film sur les arts martiaux et le maniement des armes mais qui ne comporte quasiment aucune scène d’action : celles-ci sont soit très courtes, soit dans des ellipses, soit hors champ. On y parle beaucoup, mais rien de ce qui est évoqué sur le combat n’est visible à l’écran où tout est mou et sans charisme. Le scénario est également étrange puisque chaque grand guerrier qui nous est présenté se fait rosser par une débutante armée d’un bâton d’une manière complètement ridicule. On assiste donc au film de manière gênée sans trop savoir s’il s’agit d’une étrange parodie ou d’un ratage en règle. — Pierre Ricadat

Wu Xia – Peter Ho-sun Chan

Déjà découvert au dernier festival de Cannes hors compétition, Wu Xia est un sympathique film de kung-fu efficace bourré de références, notamment concernant son personnage de détective, croisement entre Sherlock Holmes et Les Experts. Reste que le récit, bien que classique, est agréablement mené. Le film offre quelques scènes d’action spectaculaires mais reste souvent parasité par l’abus d’effets visuels pas toujours efficaces ni utiles au bon déroulement du récit. On sort néanmoins de la salle avec un sentiment plutôt positif, dû notamment à certaines belles idées de mise en scène. Divertissant.  — Alban Ravassard

War of the Arrows – Kim Han-min

Les films coréens en costume ont rarement donné satisfaction ces dernières années, il y avait donc beaucoup à craindre de ce blockbuster succès de 2011 en Corée. Et pourtant, bonne pioche cette fois-ci. Après une mise en place classique, trop longue et explicative, le film a le bon goût de nous éviter des batailles à grands renforts de figurants et part sur une chasse à l’homme en forêt entre notre héros et une bande de barbares mandchous. Ceux-ci sont, il faut le dire, terriblement classes et cette poursuite se révèle captivante avec quelques grands morceaux de bravoure comme la traversée d’un ravin ou l’attaque d’un tigre. La cinégénie du tir à l’arc a été parfaitement exploitée par le réalisateur qui s’en donne à coeur joie. On pardonnera donc au héros (sorte de Rambo des Bois) d’éviter les flèches adverses un peu trop facilement, ce qui permet quand même de faire durer un peu le plaisir. — Pierre Ricadat

The Raid – Gareth Evans

S’il y a bien un film qui était attendu dans ce festival, c’était bien The Raid. Attentes relevées haut la main pour ce film d’action absolument dément. Le pitch est des plus basiques : une escouade de policiers lance l’assaut d’un immeuble détenu par un parrain local. Très vite, ils se retrouvent isolés à l’intérieur, à la merci de forcenés de toutes sortes. Je n’avais pas souvenir d’avoir vu un film d’action avec un tel rythme, une telle virtuosité dans la mise en scène et les combats. Ceux-ci se révèlent particulièrement imaginatifs : pistolets, mitraillettes, machettes, couteaux, marteau ou même frigo piégé, et surtout à mains nues (le seul moyen de prendre du plaisir, comme le dit si bien l’un des personnages les plus déments). Chaque coup porté fait mal, blesse, casse, avec une lisibilité autant impressionnante que jubilatoire. Par ses bonnes idées narratives, ses personnages charismatiques (les plus forts ne payent d’ailleurs pas de mine, ce qui les rend d’autant plus géniaux), sa superbe ambiance sonore, le film propose des moments de tension extraordinaires. La scène où le chef mafieux lance l’appel à tous les habitants de l’immeuble de se rendre à l’étage des policiers piégés pour les descendre m’a rappelé ni plus ni moins la tension d’Aliens dans laquelle les GIs voient les bestioles fondre sur eux au radar. The Raid est un chef d’oeuvre du cinéma d’action. Et du grand cinéma, tout simplement. — Pierre Ricadat

3) Hors Compétition

I Wish – Nos Voeux Secrets – Hirokazu Kore-eda

Je ne suis pourtant pas adepte des films mettant en scène des enfants, mais ce film m’a profondément touché. On y suit en parallèle le quotidien de deux jeunes frères dont les parents sont séparés, chacun vivant avec l’un d’eux. Tout le film est filmé du point de vue des enfants, à leur hauteur. Beaucoup plus profond que ses bons sentiments apparents, le film évoque aussi leurs doutes, leurs peurs, et peut-être ce qui feront d’eux les adultes qu’ils seront plus tard. Leur lucidité est parfois surprenante, comme lors d’une scène délicieuse où l’un des enfants discute avec son père (Joe Odagiri) de la nécessité des choses inutiles dans la vie. Le film s’envole réellement dans sa deuxième partie où les enfants décident de se rejoindre. I Wish recèle une vitalité particulièrement communicative. Mais surtout, à les voir courir éperdument vers le lieu de leur quête, la sensation retrouvée d’une âme d’enfant où tous les rêves sont encore possibles. — Pierre Ricadat

Headshot – Pen-ek Ratanaruang

Etrange film noir que ce Headshot, dont le concept de base est original et intéressant : soit l’histoire d’un tueur à gages qui, après avoir survécu à une balle prise en pleine tête, se met à voir le monde à l’envers, littéralement. Ce concept n’est en fait pas le vrai sujet du film, qui développe à la place une narration complexe et déstructurée, qui emprunte tous les codes du film noir et nous livre un film esthétiquement bluffant au récit passionnant. Une vraie curiosité donc, dont la compréhension n’est pas toujours aisée (notamment par la trop grande similitude de certains repères temporels). De plus, les comédiens sont captivants et la scène d’ouverture, bluffante, est la meilleure qu’il m’ait été donné de voir au cinéma depuis des années. A (re)découvrir à sa sortie en salles. — Alban Ravassard

Pink – Jeon Soo-il

Jeon Soo-il a ses entrées en France, et la présence de ce film Pink hors compétition à Deauville n’y est sans doute pas étrangère. Le film se déroule sans rythme, sans dialogues ou presque, sans enjeux, dans une ambiance absolument mortifère autour de quelques personnages totalement neurasthéniques. Avec comme seuls élans d’audace (ironie) un rapport au corps assez malsain qui nous donne le droit de voir ses personnages uriner ou se laver les parties intimes. Et lorsqu’enfin le réalisateur se décide à dévoiler les blessures derrière son personnage principal, il le fait à travers des visions répétitives d’une lourdeur proche du ridicule en plus de ne mener nulle part. Pris indépendamment, quelques plans ou scènes peuvent séduire (notamment celles sur la plage), mais cette accumulation de néant semblant célébrer la souffrance de vivre donne juste envie de se jeter à la mer. — Pierre Ricadat

Au final, une sélection plutôt variée dans laquelle le thème de la relation parent-enfant aura été omniprésent. S’il le fut souvent de manière lourde et laborieuse, le salut est venu du cinéma japonais qui nous a apporté les trois meilleurs films (avec The Raid), trois visions totalement différentes, inventives et sensibles. La section Action était particulièrement satisfaisante, surtout si on la compare à celles de ces dernières années. Un mot enfin sur le choix assez incompréhensible des deux jurys qui ont quand même réussi la prouesse d’ignorer l’évidence absolue que constituait The Raid (à côté duquel le lauréat Wu Xia fait pâle figure) et de récompenser du prix principal le non-film que constitue Mourning, laissant Sono Sion se contenter pour la deuxième année consécutive du Prix de la Critique Internationale (dont on aimerait bien savoir de qui il s’agit). C’était bien la peine d’inviter au moins autant de jurés que de films pour pondre un choix pareil !

Du livre au film : l’adaptation cinématographique

Comme souligné dans Adaptation de Spike Jonze d’après un scénario de Charlie Kaufman, maîtriser cette technique n’est pas chose aisée. Une des différences majeures entre littérature et cinéma  réside dans le fait qu’en lisant un livre, on s’en imagine sa propre version, son propre visuel, alors qu’au cinéma nous sommes face à la vision d’un auteur, qui nous est imposée.

La forme littéraire en elle-même est d’ailleurs plutôt évitée au cinéma, notamment dans les dialogues, sauf dans des cas particuliers tels que Cyrano de Bergerac de Jean-Paul Rappeneau, dans lequel cette littéralité est même assumée et recherchée.

Comment peut-on expliquer cette difficulté de l’adaptation ? Qu’est ce qui fait la réussite d’une adaptation ?

Cela s’explique en premier lieu du fait que la littérature et le cinéma soient deux langages très différents. Or, le problème est que beaucoup trop de scénaristes ont aujourd’hui tendance à négliger ce point. On voit donc fleurir sur nos écrans un nombre incalculable d’adaptations littéraires qui sont de vraies déceptions. Adapter un livre de manière correcte au cinéma est-il possible ? Personnellement je pense que non, car un tel processus doit forcer à faire des choix. En effet, il est impossible et même impensable de porter à l’écran tous les détails contenus dans un livre. De plus, un bon livre ne donne pas forcément un bon scénario.

A mon sens, les adaptations actuelles sont pour le plus grand nombre décevantes. Je l’explique ainsi : les auteurs et réalisateurs en charge de l’adaptation de l’œuvre ne se détachent pas assez du matériel mis à leur disposition. Voulant être trop respectueux de l’œuvre à adapter, ils n’y insufflent pas leur vision personnelle, de peur de décevoir le public qui a apprécié le livre.

En ce sens, si beaucoup d’adaptations cinématographiques de livres à succès sont opérées, du fait de la fascination et du matériel de base qu’ils fournissent à des auteurs et/ou réalisateurs, il est de moins en moins rare de voir les auteurs de ces œuvres littéraires passer eux-mêmes derrière la caméra. Ils pensent probablement ainsi conserver l’intégrité de leurs œuvres. Mais être un bon écrivain ne fait pas de vous un bon scénariste ou un bon réalisateur.

Un réalisateur qui avait compris qu’il fallait se détacher du matériel originel mis à sa disposition, est Stanley Kubrick.  Ce dernier prenait parfois tellement de liberté par rapport au contenu des livres que cela lui valait un rapport plutôt conflictuel avec les auteurs de ces derniers. Mais il suffit de revoir Shining, Full Metal Jacket, ou 2001, l’Odyssée de l’espace pour se rendre compte du génie qu’avait Kubrick dans l’adaptation. Il savait imposer sa propre vision et doubler ainsi celle proposée par l’auteur du livre. C’est un véritable approfondissement que proposait Kubrick à son public. C’est de nos jours, il me semble, une solution qu’il faudrait éventuellement envisager plus souvent. J’en veux pour preuve un autre exemple de détachement de l’œuvre originale qui a donné un chef-d’œuvre : Apocalypse Now de Francis Ford Coppola, adapté de la nouvelle Au cœur des ténèbres de Joseph Conrad.

Mais le véritable enjeu d’un scénariste s’attaquant à une adaptation est donc de réussir à se débarrasser de toute forme littéraire (à moins que la conserver soit un choix artistique conscient et/ou nécessaire) et d’opérer un passage, que l’on sait difficile, d’un langage à l’autre. Adapter c’est donc avant tout traduire. Mais c’est aussi faire des choix difficiles et approfondir, voire se réapproprier le contenu de l’œuvre originelle. Au risque de s’attirer les foudres de fervents lecteurs.

Extrêmement Fort et Incroyablement Près – Stephen Daldry (2011)

« Parfois il faut affronter ses peurs. »

Le 11 septembre 2001, Thomas Schell, bijoutier, perd la vie dans le plus grand attentat qu’ait connu les Etats-Unis. Il laisse derrière lui son épouse et son jeune garçon de 13 ans, avec qui il détenait une très grande complicité. Oskar découvre, un an plus tard, une clé perdue dans un vase, dans le dressing de son père. Persuadé qu’elle a été placée là exprès, ils avaient l’habitude de se livrer à de véritables chasses au trésor dans tout New York, il va se mettre en tête de trouver ce qu’elle ouvre. Il va alors, tout au long de sa quête, rencontrer une multitude de personnages et évoluer à travers leurs regards et leurs attentes.

Tous les thèmes classiques associés à la perte d’un être cher sont là : le déni, la colère, la dépression, le sentiment de culpabilité et finalement, l’acceptation. L’histoire se nourrit également du rôle qu’a joué la technologie dans cette tragédie, en donnant la part belle aux portables, répondeurs et à la télévision. La particularité de ce film est de retracer l’un des évènements les plus marquants de l’histoire de ce pays à travers les yeux et le cœur d’un enfant. Singulier, présentant en apparence toutes les caractéristiques du syndrome d’Asperger, Oskar n’est pas un garçon lambda. Frappé de plein fouet par le destin, réduit à se réfugier dans un mausolée créé à la gloire de son père, entouré de reliques, quitte à rejeter sa mère, Oskar préfère espérer. Espérer retrouver un objet, un indice, un signe que son père n’a pas complètement disparu. Il a besoin de le refaire vivre. Il y a également une réflexion sur l’écoute et l’expression, orale et écrite. C’est en cela que le film est intéressant. La douleur et le désespoir d’Oskar sont tels qu’il préfère se réfugier dans sa peine et ses obsessions (les corps qui tombent…) plutôt qu’affronter la réalité.

Thomas Horn porte le film sur ses frêles épaules de manière magistrale. Avec un jeu nuancé, il est d’une sensibilité et d’une maturité impressionnantes. Sa performance est à mettre à l’égal de celle de Christian Bale dans L’Empire du Soleil de Steven Spielberg. Il y a une très grande ressemblance entre ces personnages, la manière qu’ils ont de fuir la réalité en se créant un imaginaire et en se raccrochant à leurs obsessions, comme si leurs vies en dépendaient. Bale avait John Malkovich, Tomas Horn a aussi un acolyte de renom en la personne de Max Von Sydow, le mystérieux Locataire. Hébergé par la grand-mère d’Oskar, il va jouer un rôle fondamental dans la vie du jeune garçon. Les deux vont se livrer à une véritable partie de ping-pong émotionnel, tous deux ayant vécu un traumatisme dont ils peinent à se remettre. L’un exprime son chagrin ouvertement, l’autre ne le peut pas. Ils forment, sans aucun doute, le plus beau duo du film.

Le gros péché d’Extrêmement Fort et Incroyablement Près reste la mise en scène, beaucoup trop ostentatoire, sonore et colorée, sans parler du montage. Nombre de séquences sont hachées, entrecoupées de flashbacks de toutes sortes. On peut imaginer l’intention du réalisateur : nous faire ressentir la folie du monde telle qu’Oskar la ressent, mais ce manque total de sobriété dévaloriserait presque l’horreur de ce drame… Fait surprenant car Stephen Daldry s’était fait connaître avec Billy Elliott, œuvre d’un grand réalisme. Le film pâti également d’un déferlement de pathos et de bons sentiments, particulièrement dans la dernière demi-heure. Contrairement à Thomas Horn, Sandra Bullock, qui joue la mère d’Oskar, n’allège pas tellement ce débordement. A noter Tom Hanks, Viola Davis et Jeffrey Wright, très bons dans les rôles de Thomas Schell, Abby Black et William Black.

Film puissant s’il en est, à vous couper le souffle, mais grossièrement exécuté.

Le « ghost shot » :

Un tournant dans le film, Oskar raconte son secret pour la première fois. « Il fallait que je le dise à quelqu’un. » Le Locataire, qui est dans la lumière, ne peut pas l’interrompre. Toute la détermination et la peur se lisent dans le regard du jeune garçon. La pièce est sombre, son sweatshirt orange l’illumine et fait ressortir ses yeux. Toute la peine et la frustration d’Oskar sont révélées au grand jour. A la fin de la séquence, il sort de la pénombre afin de montrer ses blessures. Edifiant.

Bullhead – Michael R. Roskam (2011)

Prix du Nouveau Genre au dernier Étrange Festival de Paris et nominé pour l’Oscar du meilleur film étranger, Bullhead nous plonge dans un univers peu familier : un réseau de trafic d’hormones dans le milieu de l‘élevage bovin belge.

Jacky, issu d’une famille de petits agriculteurs et éleveurs flamands est sur le point de faire affaire avec de gros trafiquants. L’éleveur est un colosse qui s’injecte les mêmes hormones qu’à ses bêtes et a développé avec les bovidés des ressemblances frappantes : regard vitreux, cou de taureau, tête rentrée et muscles saillants. Alors qu’un inspecteur fédéral chargé d’enquêter sur le trafic est assassiné, la police va commencer à s’intéresser de plus en plus près à ses activités.

Le film repose pour une large part sur les épaules massives de Matthias Schoenaerts : celui-ci, qui a pris 27 kilos pour le rôle, nous livre une prestation impressionnante. Nous aurons d’ailleurs le plaisir de revoir l’acteur prochainement sur nos écrans puisqu’il interprétera le rôle principal du prochain film de Jacques Audiard : Un goût de rouille et d’os.

Le récit bascule lorsqu’un flashback nous plonge dans la jeunesse du héros : ce qui nous est alors révélé est plus encore qu’une blessure d’enfance, c’est un drame fondateur. Nous découvrons alors l’humanité sous l’aspect bestial, et le regard  franchement moqueur qu’on avait pu porter au départ sur Jacky se charge d’une profonde empathie. Le film mêle alors avec succès deux registres très différents : le drame intimiste et le thriller mafieux. La richesse de Bullhead tient également à son univers très singulier, qui nous emmène à travers un pays divisé par ses disparités régionales et linguistiques.

Là où le récit aurait pu se borner à l’étalage d’une galerie de personnes minables, petites frappes flamandes et demeurés wallons, il fait preuve d’une envergure et d’une ambition bien plus larges. Le film n’est pas exempt d’un humour qu’on serait en droit de trouver un peu poussif, mais qui étonnamment s’intègre bien au récit et lui apporte même une richesse supplémentaire. Le mélange des genres inattendu entre le drame et le grotesque fonctionne parfaitement.  Au final, c’est une grande tristesse qui émane de ce film profond et fort et de son héros au destin tragique.

Un des nombreux mérites de l’excellent Bullhead est la parfaite maitrise de sa réalisation. La mise en scène est fluide, le cadre précis. Au fil du film les plans s’assombrissent progressivement pour suivre l’évolution du récit. Une grande beauté mélancolique se dégage des images de la campagne belge, ce pays plat si cher à Brel.  Avec Bullhead, premier long métrage de Michael R. Roskam, nous découvrons ainsi un réalisateur et un comédien à suivre de très près.

Le « ghost shot » :

De nombreuses scènes dépeignant le héros nu, recroquevillé sur lui-même émaillent le récit. Bullhead interroge avant tout la posture virile et ses failles : inadapté social et manquant totalement d’assurance, ce héros mutique contraste singulièrement avec sa musculature colossale.

Le travail de l’acteur

Bonjour à tous,

Aujourd’hui intéressons nous au travail de l’acteur. Cet article présente bien sûr une vision totalement subjective de ce travail et ne saurait être représentatif de l’éventail de points de vue que l’on peut avoir sur la question. Pour commencer cet article il est nécessaire de parler des diverses visions que l’on peut rencontrer par rapport à ce travail de l’acteur et au travail avec l’acteur. Pour cela intéressons nous à celles de quelques grands cinéastes.

Chaque cinéaste évolue à sa manière : certains ont une peur panique voire une haine des acteurs (Lars Von Trier en est l’exemple le plus probant) probablement, et souvent de leur propre aveu, car ils ont peur que ceux-ci « s’emparent » du film ; alors que d’autres les aiment profondément, ce qui est notamment le cas de Pedro Almodovar. Certains réalisateurs refuseront de diriger les acteurs y voyant une forme d’autorité malvenue, d’autres ne jugeront que par cela, parfois même un peu trop, ce qui les amène à réduire la liberté de leurs acteurs. Certains d’entre eux vont jusqu’à considérer les acteurs comme des outils les aidant à mener à bien leur film au même titre que le ferait une caméra. De même, certains préfèreront travailler avec des acteurs exclusivement amateurs (Bruno Dumont, pour ne citer que lui).

Il y a même parfois des cas très particuliers qui mènent à des travaux et des emplois intéressants tels ceux de Robert Bresson qui se refusait à parler d’acteurs mais qui recherchait ce qu’il nommait des « modèles ». Essayons de résumer sa vision : pour Bresson différence est faite entre le cinéma, art descendant du théâtre ou tout n’est que paraître, et donc par extension le jeu des acteurs qui justement jouent quelqu’un qu’ils ne sont pas; et le cinématographe qui lui est un art « pur » (avec toutes les réserves que l’emploi de ce terme implique) et qui utilise des modèles qui sont les personnages, qui les vivent; ce qui fait du cinématographe un art plus proche du réel et donc non affilié au théâtre. J’invite ceux que cette vision particulière intéresse, et qui veulent approfondir le sujet, à lire ou consulter « Notes sur le cinématographe » de Robert Bresson (aux éditions Folio).  Un véritable ouvrage de référence.

Nous en venons donc à des problématiques essentielles : « Qui construit le personnage ? Le réalisateur ? L’acteur ? Les deux ? », « Un acteur doit-il forcément être dirigé ? ». Et puisqu’on ne le répétera jamais assez, il serait stupide de dire que telle théorie serait meilleure qu’une autre. Tout dépend de l’emploi que l’on en fait et de la personne qui l’emploie. Un exemple très représentatif est l’ « Actor’s studio » américain au sein duquel s’oppose deux méthodes de formation et donc deux visions du travail de l’acteur sur son personnage.

L’une privilégie l’intériorisation et l’utilisation de ses sentiments et souvenirs personnels, une autre s’oriente vers l’extériorisation. Robert De Niro et Al Pacino viennent de l’Actor’s Studio et ont été chacun formés respectivement à une de ces méthodes ce qui oppose leur façon de travailler en tant qu’acteur. Mais pouvons nous pour autant dire que l’un est foncièrement meilleur que l’autre ? (Ce qui au passage reviendrait à comparer les deux méthodes). Ce serait stupide. Que ceux qui ont du mal à s’en convaincre revoient Heat de Michael Mann.

Etant moi-même réalisateur, je considère que l’acteur doit être quelqu’un d’ouvert sur le monde, capable de capter en lui comme dans la vie en général le matériel dont il aura besoin dans la création et la composition des différents personnages qu’il aura à incarner. La mission de l’acteur est de s’approprier et de construire ces personnages en collaboration avec le réalisateur, il doit se faire littéralement « habiter » par son rôle pour cela il doit être ouvert au dialogue et surtout ne pas s’effacer, proposer des choses et accepter les remarques, travailler dans le sens de son personnage et accepter de parfois perdre un peu de vue la frontière qui sépare fiction et réalité c’est ainsi qu’il devient le personnage, il doit le vivre et ne pas se contenter de le jouer en cela sa ou ses techniques l’aident mais ne doivent pas le limiter.

De même, lorsque l’on est acteur il faut apprendre à parfois lâcher prise et accepter de ne pas savoir ce que l’on fait et où l’on va. L’acteur doit donc créer une relation de confiance avec le réalisateur. Ce dernier doit être pour lui un soutien, un appui. Leur travail commun se doit d’être une collaboration et non pas se transformer en diktat de la part d’un ou de l’autre. Les visions et conceptions sont certes différentes mais chacun doit essayer de comprendre l’autre. Acteur et réalisateur sont en effet interdépendants et doivent apprendre à coexister sur le plateau. Pour cela, l’outil majeur est la communication. A l’image d’un couple, une bonne communication est la base de toute entente cordiale, et si possible de longue durée.

Il me paraît évident que le personnage se construit à deux : il n’appartient entièrement ni au réalisateur ni à l’acteur mais bel et bien aux deux, et aussi au scénariste si celui-ci est différent du réalisateur. Chacun possède sa vision du personnage et je pense que l’acteur doit arriver plus ou moins à s’approprier le personnage par le biais de la vision que le réalisateur en a. Une telle méthode, n’est bien sûr pas simple à mettre en œuvre mais elle permet à l’acteur de garder une plus grande liberté artistique.

De la direction d’acteurs donc, oui, mais pas n’importe laquelle. Le réalisateur doit savoir exprimer sa volonté dans des termes « traduisibles » aisément par l’acteur ce qui fait de la direction d’acteur une chose assez délicate et très personnelle. Mais cette direction reste nécessaire sous peine que l’acteur produise une performance qui ne correspondra pas aux attentes du réalisateur. Preuve que rien n’est simple et que le travail de l’acteur est avant tout un art de la négociation et du compromis.

Martha Marcy May Marlene – Sean Durkin (2011)

Présenté au dernier festival de Cannes dans la section Un certain regard et auréolé du prix de la mise en scène au festival de Sundance en 2011, Martha Marcy May Marlene sort enfin sur nos écrans le 29 février prochain.

Il est assez rare qu’un premier long-métrage me secoue comme celui-ci l’a fait.  En effet, ce n’est pas moins qu’une leçon de cinéma que nous assène le jeune Sean Durkin, précédent auteur d’un court-métrage à succès : Mary last seen, dont il développe ici le sujet : les sectes.

Soit l’histoire de Martha, jeune femme que l’on découvre de prime abord vivant dans une ferme en communauté libre. Mais cette communauté d’apparence paisible va vite se révéler être une secte à forte propension machiste voire carrément mysogine, qui va lentement dériver vers des actes de violence de plus en plus conséquents. Martha, rebaptisée Marcy May par le leader charismatique de la secte, arrive à s’en échapper.  Elle tente alors de se reconstruire et de retrouver une vie normale auprès de sa sœur ainée et de son beau-frère à qui elle est incapable d’avouer la raison de sa disparition.

Mais Martha est persuadée que les membres de la secte la pourchassent toujours. Les souvenirs qui la hantent se transforment alors en effrayante paranoïa et la frontière entre réalité et illusion se brouille peu à peu… c’est de ce parti-pris narratif que le film de Sean Durkin tire toute sa puissance. En ne dissociant par aucun élément visuel le passé du présent,  le réalisateur nous plonge au sein-même des souvenirs embrumés de Martha. Plus le film avance et plus la frontière entre souvenirs réels et possiblement fantasmés se réduit, sans jamais nous proposer de réponse.

Cela contribue à créer une atmosphère onirique et flottante mais aussi à forte tendance horrifique. En effet une angoisse sourde et effrayante sous-tend tout le film. Le danger semble être tapi partout autour de Martha. Cela se traduit par le biais d’un travail de précision exceptionnelle sur le cadre ; travaillé en son sein par une tension résultant de l’emploi de violents décadrages et doublé d’un montage habile qui brouille les pistes. Souvent Martha est isolée, seule dans le cadre. Reflet de son incapacité à se réintégrer dans la cellule familiale et à reprendre une vie normale. Condamnée à errer entre deux mondes : un qu’elle fuit et l’autre dans lequel elle n’arrive plus à trouver sa place.

Ainsi, Sean Durkin nous invite à ne faire plus qu’un avec son personnage, et fractionne progressivement son identité, nous en dévoilant toujours plus de facettes, sans nous permettre de dissocier si elles sont réelles ou imaginaires.  Peu à peu le titre du film prend alors tout son sens, à mesure que le traumatisme de Martha la mène à perdre de plus en plus pied avec la réalité qui l’entoure. Soulignons à cette occasion le superbe travail sonore, minimal mais jamais minimaliste, effectué pour évoquer les éléments qui hantent ponctuellement le protagoniste.

Mais le film doit également beaucoup au travail des comédiens, dont le casting est par ailleurs absolument impeccable.  Impossible ici de ne pas parler d’Elisabeth Olsen, sœur des jumelles surmédiatisées qui portent le même nom et qui, ici trouve son premier rôle sur grand écran. Elle y crève l’écran tant sa présence et son talent sont saisissants. Gageons que ce premier rôle sera loin d’être le dernier tant son investissement physique et émotionnel est total et, additionné aux autres qualités de ce film, en font la grandeur et la particularité.

Pour résumer, Martha Marcy May Marlene est un premier film précis maîtrisé qui laisse penser que son auteur, le jeune Sean Durkin n’a pas fini de nous surprendre à l’avenir.  Reste à voir s’il saura passer le cap du second film avec sérénité. Quoi qu’il en soit, un cinéaste prometteur est né.

Le « ghost shot » :

 

 Ce ghost shot est issu d’un moment hypnotique et très troublant du film, à savoir l’interprétation par le leader de la secte de la « Marcy’s song ». Le regard de John Hawkes, le choix de mise en scène opéré (un champ-contrechamp basé sur un raccord regard soutenu) et la musique procurent à ce moment une intensité palpable et reflètent l’emprise que le leader assoit sur l’ensemble du groupe et notamment sur Martha. Captivant.